_{Cecilia Alemani, curadora de um programa de arte dentro da Frieze New York, recria o restaurante FOOD de Gordon Matta-Clark.} 

Cecilia Alemani, curadora de Frieze Projects

Curadora do High Line Art, o programa de arte contemporânea que acontece no passeio suspenso do Chelsea, em Manhattan, Cecilia Alemani levou um pouco de sua expertise em ocupação urbana e arte pública para o Frieze Projects, que aconteceu de 10 a 13 de maio, em Nova York. Italiana, Cecilia Alemani mudou-se para Nova York em 2003, onde pós-graduou em Estudos Curatoriais no Bard College. Sua proposta para Frieze Projects este ano consistiu em sete obras comissionadas. 

Os artistas Liz Glynn, Maria Loboda, Mateo Tannat, Andra Ursuta e Marianne Vitale foram convidados a criar site-specifics em relação tanto ao contexto da feira, como de sua locação, em Randall’s Island. Além das sete obras comissionadas, o programa também prestou tributo ao lendário FOOD, o restaurante criado e dirigido por Gordon Matta-Clark e Carol Goodden, em 1971, no SoHo novaiorquino. Cecilia Alemani conversou com seLecT sobre FOOD e o papel de sua curadoria dentro da feira.

Gordon Matta-Clark e Carol Goodden diante do restaurante FOOD, no SoHo novaiorquino, em 1971

A homenagem que a feira Frieze New York faz a uma peça histórica e lendária como FOOD é uma forma de monumentalizá-la? 

Claro. Esta seção específica na qual prestamos homenagem a um lugar histórico é recriar um momento no tempo. Mas, para mim, o que é interessante é ver qual é o equivalente, o que acontece hoje quando você traz de volta algo como FOOD. Portanto, o que ocorre aqui não é apenas transformar FOOD em monumento, que seria historicizante. Na verdade, ele nunca foi historicizado. Todo mundo tem FOOD na memória, em seus corações, mas não há tanta literatura sobre o assunto, porque ele pertence a uma área de limbo entre a obra de arte e o trabalho não artístico. Embora ainda muito vivo na memória das pessoas, não pertence à história da arte. 

Então, para mim é mais interessante ver o que acontece quando você traz essa energia para agora e ver se podemos encontrar um equivalente FOOD agora em Nova York. Isso é relevante, por isso decidimos organizar esse projeto, e resgatamos os chefs originais, como Tina Girouard e Carol Gooden, o co-fundadora de FOOD, e convidamos dois artistas contemporâneos, Mathew Day Jackson e Jonathan Horowitz. Eles foram convidados a conceber um menu e tiveram carta branca. Jonathan Horowitz, por exemplo, trouxe um menu vegan. FOOD realmente ficou famoso por ter sido um dos primeiros restaurantes que serviam comida vegetariana em Nova York.

Cenas do restaurante FOOD recriado na feira Frieze New York, de 10 a 13 de maio

Na realidade, se você tivesse escolhido tratar FOOD apenas como monumento, você teria que ter reconstruído o espaço…

Correto. Essa nunca foi a questão do projeto, e seria impossível de ser realizada. Falei com muitas muitas pessoas e a aparência do lugar era totalmente anônima. Não era como um típico restaurante de artista como, por exemplo, o restaurante de Damien Hirst, em Londres. FOOD era um restaurante muito simples e anônima.

Qual a diferença entre um monumento e um site-specific, ou um ambiente de convivência?

O Projeto (Frieze Projects) deste ano foi muito inspirado pela ideia de criar espaços de congregação para os visitantes da feira, por isso há FOOD, há lounges – como um bar secreto –, há um jardim, um cemitério, há uma praça de notícias… lugares que criam uma pausa no ritmo da feira. O Projeto pontua a feira, quebrando seu ritmo, e oferecendo espaços onde você pode se sentar, conversar…

Mas por que a feira é o momento de criar um tributo à FOOD? Por que não no High Line, por exemplo?

Porque no High Line temos 4,5 milhões de pessoas e o público de arte não corresponde nem mesmo a 1%. Então acho que ele ficaria completamente perdido. Aqui o público total está relacionado à arte e todo mundo conhece FOOD.

Cenas do restaurante FOOD recriado na feira Frieze New York, de 10 a 13 de maio

Quando estava na esquina de Wooster St com Prince St, no Soho, já não estava inserido no contexto de uma grande cidade?

Mas era orientado para a comunidade da arte. Você sabe que o SoHo, naquele momento, era habitado só por artistas. Por isso. FOOD era um lugar onde os artistas podiam ir, um lugar para insiders.

Vault, de Liz Glynn, era um bar secreto, cuja chave dava acesso a poucos

Que outra peça de Frieze Projects transmite essa idéia de escultura comemorativa ou monumento, como você desenvolveu no projeto BUSTED, no High Line Art?

Em Frieze Projects não há nada desse gênero. Eu diria que a única peça monumental que temos é o trabalho de Marianna Vitale, que é um fragmento de arquitetura. É muito interessante porque é quase um Gordon Matta-Clark! É um fragmento de um lugar no norte do estado de Nova York, que foi instalado em um desses grandes espaços entre os corredores da feira, que para mim são como praças. Praças são espaços mais europeu. Em Nova York, você realmente não tem esse tipo de lugar. A feira tem exatamente o mesmo espaço que a cidade: corredores, corredores e estandes. Portanto, estas arestas abrem espaços de encontro e congregação. Para mim, seu projeto é como um monumento temporário, dentro da feira.

Espaço interno de Vault, bar secreto de Liz Glynn

Frieze New York também teve bares e restaurantes como espaços de arte. Será que o bar está se tornando um “gênero artístico”, ou “linguagem”, específica para feiras de arte, uma vez que estes são espaços de reunião?

Espero que não. Acho que o ponto aqui é criar esculturas temporárias, instalações e monumentos que funcionam como espaços de encontro. Por isso, é ocasional que haja um bar como um projeto aqui. A artista tinha carta branca para fazer o que quisesse. Como muitos bares que eu já vi em feiras, eu acho que este funcionou muito bem dentro da arquitetura da feira, porque você não percebe que ali há um bar – é um bar secreto. Para chegar lá, você tem que pegar uma chave. Há uma série de chaves distribuídas aleatoriamente na feira. A chave tem uma instrução de como chegar lá. Se você tiver sorte o suficiente, encontrará a chave e será recebido por um adorável barman contando histórias incríveis e preparando belas bebidas. Então você pode passar algum tempo em um lounge quieto e escurinho.

The Smile Goes Round, de Mateo Tannatt, instalou espaços coloridos ao longo de vários espaços da feira

Polifonia é uma boa palavra para definir o espaço da feira de arte contemporânea hoje. Qual é a última fronteira que ainda não foi alcançada no espaço polifônico da feira? Chegou-se até a literatura, ao espaço público da internet…

Não sei, nós fizemos muito, há até FOOD este ano. Mas a ideia não é quebrar fronteiras. Desde o seu início em 2003, em Londres, Frieze Projects tem sido uma plataforma onde os artistas podem mostrar a arte de maneira diferente, num contexto diferente. Nós mostramos vídeos, performances, o programa sonoro, que também pode ser escutado no site. O limite é o que o artista quer fazer.

Cockpit, de Marianne Vitale

Em inglês

Temporary Monuments

_{Cecilia Alemani, curator of an art program within Frieze New York recreates the restaurant FOOD of Gordon Matta-Clark}

Curator of Frieze Project sees the fair as a place of congregation and meeting

Curator of the High Line Art, Cecilia Alemani brought to Frieze Projects some of her expertise in public art and urban occupation. Italian, born and grew up in Milan, she moved to New York in 2003, where she studied Curatorial Studies in Bard College. Her proposal for Frieze Projects, set up from May 10th to 13th, was made ​​up of seven commissioned works. The artists Liz Glynn, Maria Loboda, Mateo Tannat, Andra Ursuta and Marianne Vitale were invited to create site-specific pieces in relation to both the context of the fair and its location at Randall’s Island. Besides the commissioned works, the program also paid tribute to the legendary FOOD, the restaurant created and directed by Gordon Matta-Clark and Carol Goodden in 1971 in SoHo. Cecilia Alemani talked to SELECT about FOOD and the role of Frieze Projects within the fair.

When Frieze does a tribute to a historical and legendary piece/or space of art, as FOOD, it could be considered – in a way – a monument? 

Sure. This specific section in which we pay tribute to a historical place it is to recreate a moment in time, but also, for me what is interesting is to see what is an equivalent, what happens when you bring back something like that. So its not just to turn FOOD into a monument, which would be historicizing. And actually it has never been historicized. If you look at FOOD, everybody has it in their memory, in their hearts, but there isn’t so much literature about it, because it belongs to a limbo area between the art work and the non art work. It is still very alive in people’s memory, but doesn’t belong to art history.

 Then, for me is more interesting to see what happens when you bring this energy to now and if we can find an equivalent of FOOD right now in NYC. That is very relevant, that’s why we decided to organize the project, so that we went back to the original chefs, like Tina Girouard and Carol Gooden, the co-founder of FOOD, and we invited two contemporary artists, Mathew Day Jackson and Jonathan Horowitz to kind of take their own take on it. They were invited to conceive a menu, but there were no restrictions in terms of similarity to the original menu, they had carte blanche. Jonathan Horowitz for example brought a vegan menu. FOOD actually was very famous for being one of the first restaurants that served vegetable food in NYC.

Actually if you had chosen to treat FOOD only as a monument, you’d rather had rebuild the space. 

Right. It was never the point of the project, and it should be impossible. I spoke with too many many people and the look of the place was totally anonymous. It wasn’t like an expected artist’s restaurant, like, now, when you think on an artists restaurant you think in Damien Hirsts’ in London, they have a stand point. FOOD was a pretty simple and anonymous restaurant.

What is the difference between a monument and a site-specific or a convivial environment?

The project this year was very much inspired by the idea of creating gathering spaces for the visitors of the fair, so there is FOOD, there’s speakeasy, like a secret bar, there’s a garden, a cemetery, there’s a news square… all this kind of places that create a break in the rhythm of the fair. The project punctuates the fair, breaking its rhythm, and offer spaces where you can have a seat, have a chat. 

But why the fair is the moment to pay that this tribute to FOOD? Why not in the High Line, for example? 

Because on the High Line we have 4.5 million people and the art audience is not even 1%, so I think it would completely get lost. Here is a total art audience and everybody knows FOOD, so belongs much more to an art context.

When it was in the corner of Wooster and Prince, in SoHO, wasn’t it already inside the context of a big city?

But it was for the art community. You know, SoHo was just artists living then, so it was a place where artists could go, so I think it was a very insider thing. 

Which other piece of Frieze Projects would carry this idea of commemorative sculpture, as you developed in the project BUSTED, in the High Line?

In the projects of Frieze there’s nothing like that. I would say the only monumental piece we have is a piece by Marianna Vitale, which is an architecture fragment very interesting because its almost a Gordon Matta-Clark piece! It’s a piece from a place in upstate New York. It is installed in one of these large spaces between corridors, which to me are like plazas. These spaces are more European, in New York you don’t really have this kind of place. The fair has exactly the same space as the city: corridors, corridors and booths. So this edges that opens up become congregation and gathering spaces.
For me, her project is very much like a temporary monument within the fair.

Frieze has too bars/restaurants as pieces of art this year. Do think the bar is becoming an “artistic genre”, or “language”, specific for art fairs, once these are gathering spaces?

I hope not. I think the point here is to create temporary sculptures, installations and monuments that function as gathering spaces. So it is very much by chance that there’s a bar as a project here. She had carte blanche to do whatever she wanted. Like many bars I’ve seen in fairs, I think this works very well within the architecture of the fair, because you don’t really notice there’s a bar – it’s a secret bar. To get there you have to get a key. There are a number of keys distributed randomly at the fair. The key has an instruction f how to get there and how to knock the door to get in. If you’re lucky enough, you’re going to be greeted by a lovely bar tender telling amazing stories while doing beautiful drinks. Then you can spend some quiet and dark time in the speak-easy. 

Polyphony is good word to define the fair space. Which is the last frontier that hasn’t been reached yet in the polyphonic space of the art fair? Literature was reached; Public space of internet was already occupied by Frieze Story…

I don’t know, we’ve done a lot, there’s even food this year. But the idea is not about breaking a new frontier. Since its very beginning in 2003, in London, Frieze Projects have been a platform where artists could show art in a different platform, in a different context. We’ve shown videos, performances, the program of sound pieces, you can also listen to them in website. The limit is whatever the artist wants to do.